Ice magazine, March 2012

How old are you?-  32

When did you start photography? 

On which context did you start photography? For which reason?

Did you learn photography by yourself? What kind of studies did you do?

 I started at the age of 21-22 during my university study. I was a journalism student and my first introduction with photography was in the classes about the history of photojournalism. So more than the practice of photography I got interested in photography first with looking at the historical iconic photographs, thinking about the meaning&message and get to understand the power of photographic image. I still think (regardless to your style) history of photography is important for a photographer/artist to be aware of the capacity of the medium. 

 During the same time I was playing little by little with some small cameras, and I had some classes to learn to use the camera and there you go. With the help of my study I had the chance to intern in some newspapers and news agencies more like a hot spot photographer doing small daily assignments and it didn't took so long for me to understand it's not what I want if I want to go on in photography.  But i've always been lucky to meet with right people who were very helpful and supportive through the way; one of them was Turkish/Swedish photographer Halil and with his help I had a course in Nordens Foto Skola in Stockholm. And that was the period of time that I learned most about photography in every aspect from printing to create a visual language. 

 But I think on the long term it doesn't matter whatever study you had;  more or less every photographer must learn it by himself. Thats very much the nature of photography. A good study and mentor is one which encourages the students and make them believe in themselves to have a long term vision.

 What kind of photographic style where you attracted by at first?

Because of my study I was first introduced to classics of documentary photography. Magnum agency was of course an important big school but even in that time i was more attracted by the 'outsiders' of Magnum like Miguel Rio Branco, Sergio Larrain and Jim Goldberg, the ones who put more soul into their work or playing with the limits of the medium. 

 

 How do you choose the projects you will work on?

I don't particularly work on projects. My works progress more in an intuitive way. I don't make plans, don't prepare projects. Usually i just photograph what's around me,  I don't go faraway for making photos, I photograph already where I am, who's around me. So maybe i'm not a very good photographer who makes certain projects neither for commissioned works and assignments.       

 

 

What kind of photographic equipment do you use?

I have some different cameras and and I like using small cameras, Nikon F series and small contax cameras, with flash and without flash it depends. And I still don't have a digital camera.

 

Are you working alone? Do you have any assistants? Are you part of a collective?

Yes, always alone when shooting.  I dont have an assistant but I get help for making prints and post-production and sometimes from designers for catalogues, presentation in the exhibitions, etc.  And of course for editing and selection from my gallerists and from some good friends&colleagues. 

 

 Can you describe us a typical day of work? How do you operate when working on a project?

 Usually people find it very exotic to be a photographer, there's this funny myth that a photographer is someone who carries the camera in the neck and just travels all around the world:) Big part of the work, long long hours and days you spend either in the dark room or on the computer, scanning, editing, looking at contact sheets, archiving, making prints, trying to make series.  

 What is ideal for me is to shoot intensely for a while and then isolating yourself in the  office&atelier. And usually office work takes longer time than shooting;  like 2 weeks post work for a week of intense shooting.

 

-Before pushing the button, how do you build an image?

 You can not do anything just before pushing the button,  it's more like a performance, you don't build things like a carefully planned structure.  You put yourself into situations and use your instincts while pressing the button, so you don't have much time to build anything, anyway it is not needed.

 

-How would you describe your photographic approach nowadays?

I think i'm getting far away from the formal understanding of 'good photography'. Nowadays my concern is how to make more simple and rough images which is more meaningful with less photography but with more directness.  To erase what ever you know and just putting everything beside until reaching some kind of pureness. In that term I'm looking for a way to get rid of photography until you get the core of the energy. But it's very very difficult while our tool is still a solid visual material. Two photographers i'm looking at nowadays are good examples who could achive this; Gert Petrus Fieret and Miroslac Tichy. 

 

-Define what photography is for YOU. What does it represent, how does it echo in yourself?

 I simply consider photography as a way to communicate with. When i say“communicate with”i'm not only referring to the viewers of my work but me as an individual communicate with myself and with the world outside me through the practise of photography. Without photography i could be mute. I see and i press the button of my camera to take a photograph, and that's my comment on life, comment of how i see, how i perceive things around me. That's my respond to my social surrounding, my environment, respond to things that effects me. It's a bridge between me and life. I am a photographer because i need to express what i feel and think.  It's more like an instinct comes from deeper. As an individual that's my saying to the world, an answer. It's a simple and direct way to be closer to yourself, who you are, what you're interested in, what you desire, what you fear of, your vulnerability.

 -For you, what is a good photograph?

 It's very relative and I can say I don't believe in the 'good' photography. Or this is not what counts for me. But there are other criteria I find important; such as sincerity; what i'm expecting from a good artist is to be as open as possible, to make works which is really important personally for him/her and to have a statement, not simply producing images but something really comes from the heart, to put some soul in the work, believe in his subject, not to be a perfect professional but to be as human as possible, making believable images either good or bad. Quality is not the issue but sincerity and directness matters. Polished and perfectly made images are disturbing for me.

 So as you can understand more than the photographs i'm interested in the photographer, through the photographic work i want to reach to the photographer, i want to feel and connect with the person behind the camera. I want to see and smell some soul, obsession and human touch. 

 -How would you locate your work within the contemporary photographic context?

 Obviously this is not my job,  some others should locate it.  But I see serious problems in the arts nowadays. Like dehumanisation, there's a tendency to make things big and gorgeous, being spectacular and perfectly produced. Maybe it's always been like that in the history of art, I dont know.  So I think my work doesn't fit much with the general contemporary practices because it's still black&white (which is considered out of date!) and full of feelings which is not a very popular thing in the arts nowadays:) 

 -How would you locate your work within the contemporary social context?

Thats difficult. In one way and an important way is It's very much related with politics, even some people think that sounds strange that's true. Because I see my works as an individuals answer/reaction to what's going on in his surroundings and what I mean with surrounding is social structure, public/private relation, economics, etc, and these are still the most important aspects of our life's which is shaped by politics.  

I don't  live an isolated life on top of the mountains, I live with the others too and as an human being I am a product of a certain time and place and these are all deeply effecting me. I have to respond to these, Politics is anything that you do to react these with what I do best and in my case it's photography.

 -What is lying underneath your pictures? What kind of message are you trying to spread through your work?

-To which kind of reflexion are you trying to lead the spectator? What do you want to arouse through your pictures?

 

 I'm also trying to understand what lies underneath my pictures and it's not easy:)  

 But usually I don't like very clear meaning&message in my works and I want them as open as possible to leave it to the spectator's interpretation. 

 So the viewer dont just see and skip the image but rather to watch and think about it.  I think that makes a big difference.

 And to be able to do that I want to have some kind of pysological or emotional intensity to make an impact on the spectator.

 -On which influences are you building your work? What are your sources inspirations?

It can be very diverse,  but mostly works of other artists; from poets like Rimbaud to film makers like Fellini and Godard,  from cave paintings to German expressionists. And most important since my early ages is Punk rock; I learned a lot from punk rock in terms of there's no formal criteria in the arts and it's a democratic open stage to do&say whatever you like! 

 -How would you define the final objective of your work?

 I'm sorry but I think I dont have one. I have to think about it more but for now I think it's just a matter of going on in the same way and working and producing more. Maybe there's one objective that i'm not aware of yet.  

 

 -How do you see the camera? What is your relation with it? Do you see it as a simple tool, an extension of yourself, a way of freezing the moment, a vehicle to explore unknown and far-off lands, to discover or analyse new aspects of things or yourself, … ? All answers are accepted!

I think camera is a very simple good tool to have a closer look to see things deeper(i mean literally look&see) and try to understand both yourself and the others around you. When you look at your works you cant hide anything from yourself,  it's like a mirror, no more no less but it's just you. What ever you like, and you hate, it's just there, maybe even more than you know about yourself. So yes it's a simple but a great tool for self therapy:)

 

-Why do you feel the need of practicing photography?

  It's hard to give an answer for this. In an interview with Bob Dylan he was saying something like that; “I always have a feeling that I was born in the wrong place and time and since the first day my music is about searching for a home that I really belong to.”

 

 -Any themes you are particularly attached to? If yes, why these ones seem important/relevant to you?

 Not really a certain subject but I can say 'human conditions' in general. Human today and it's relation with his surroundings most interests me. And usually it's the human in the urban environment most interests me, because it's an issue which must be questioned hard I think.

 

 -Why did you choose the photographic camera as your preferred tool of expression? 

-From your point of view, what is the specificity of photography over the other artistic practices?

Well;what I find very special with photography is the difference of production process than the other art forms. As a photographer you really really have to be there on the field while you're shooting, you don't isolate yourself in a studio like a painter, you're not in an artificial film set like a director but you really really must be there on the field; face to face with your subjects, right there in the situation where life is streaming with you, you have to be involved. It sounds nice and easy but actually it's very tough position as a photographer, you must be strong but naked, that you have to forget yourself but be more of yourself. You have to skip your thoughts and use your instincts. You have to forget the sense of time, a good photograph is like a sparkle of fire, when you're mentally aware of it it's already gone because actually you're playing&manupilating the time and space with the camera.  

So what's so special with photography is it's like a performance that you have to be there right on the situations, moments are important, once you missed it it will never come back, once you have it you always want to get back there like an addict. 

 

How do you know than an image is the one? How do you make your selection?

It's a good question but I really dont know how I know. Usually it's there or not, it sneaks into your heart or not, you feel it,  it comes to you, and rarely it's the technical details like light and form of the photograph. 

And I think its difficult for any photographer, usually photographers are not the best editors of their work. What I do is to make the first draft rough selection  by myself and then ask the opinions of my good friends&colleagues and the mentors. But you always have to make the last decision yourself. And it's a tricky difficult process, after a while and time you usually don't like what you did in the past.

 

-Are you making photography for yourself or for the others?

 I only and only do it for myself and never and ever considering the audince while working, thats very clear and exact for me. And I must say someone who makes photographs for the others is fucked up.

 -On what are you currently working?

Recently working on the book of my“Good Dog”series hopefully going to be published in september.  And shooting time to time in my usual rhythm. 

 -Any new project to come? Something you would really like to achieve?

 Well, as I mentioned before, the word 'project' doesn't sound very exciting for me. But yes I do make lots of new photographs recently. And the word 'achieve' doesnt ring a bell to me; I just want to go on as long as I can. This is not the olympic games you can really achieve something to have the golden medal or break the world record,  because it's never finalized, what you're already doing is important, it only counts when you're doing it,  and still in each step and level you're confronting with new difficulties that you have to deal with.  The most entertaining part of the whole process  is the actual practise of photographing. If you do it it's there, if you don't it's not! 

The exhibitions, books is only important to see what you've been into which is already in the past, these are reasons to go on because after all these struggles finally you have the outcome of your efforts. 

 -Which photographers most influenced you?

There's too many through the history of photography;  August Sander's approach to his subjects and Eugene Atget's atmosphere I find stunning. Robert Frank is very important and still inspiring. There are a number of ground breaking Japanese photographers from the 70's like Moriyama and Kitajima. William Klein and Nan Goldin are among my favourites.  And Anders Petersen is a very important early influence.  From the more contemporary ones I find Rinko Kawauchi and Antoine D'Agata very interesting. 

But there's still many other photographers I admire their work, not because all of them is great masters of photography but I find it very important to tell sincere stories, making small nice books and exhibitions,  works in a more humble and sincere way, human stories which touches you in a simple way. 

 

 

 

 

       

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

A l’occasion du festival Circulation(s), présenté du 25 février au 25 mars 2012 au parc de Bagatelle à Paris, Sex mode & digestion vous emmène à la rencontre des artistes de la génération photographique européenne qui monte…

Et cette semaine, petits chanceux que vous êtes, SMD met les petits plats dans les grands et vous propose une interview exclusive de Yusuf Sevincli, photographe turque au travail des plus remarquable et à la philosophie passablement démodée ! Yusuf Sevincli est en effet de ces rares représentants récalcitrants d’une  photographie de l’instinct et de l’instant, de cette ‘vieille école’ d’esthètes qui pratiquaient l’art pour eux et non pour autrui, qui cherchaient au cœur de leurs angoisses profondes le matériau de leur création et qui voyaient en la pratique artistique un échappatoire à l’exil de soi ; la transcendance artistique non comme divertissement ou choix, mais comme obligation. Des poètes, des écrivains, des peintres, des sculpteurs, des photographes dont l’objectif souverain, en lieu et place de la reconnaissance du plus grand nombre, résidait – pauvres illuminés hors d’âge, démodés et ‘As Been’ – en la reconnaissance de soi-même, l’achèvement personnel.

Yusuf Sevincli ne recherche pas l’assentiment unilatéral ou l’approbation d’un public. Il se contente de photographier son environnement, ses angoisses et ses questionnements au quotidien, et voit en la photographie le moyen de rester connecté aux choses et aux êtres, une réponse – sa réponse – à l’environnement qui l’entoure et aux mouvements qui l’habitent.

Par la qualité de son travail, et par la réflexion qui l’entoure – à la fois profonde et naïve -, Yusuf Sevincli nous offre un véritable trésor photographique en même temps qu’une grande leçon d’humilité… Une véritable bouffée d’oxygène dans le petit monde sclérosé de l’art d’aujourd’hui.

SMD: Yusuf Sevincli, commençons par les évidences ; nom, prénom, âge ?

YS: Yusuf Sevincli, 32 ans.

SMD: Formidable ! Quand as-tu commencé la photographie, et dans quel contexte ? Es-tu passé par des études où as-tu appris sur le tas ?

YS: J’ai démarré vers l’âge de 20 ans, pendant mes années universitaires. J’étais étudiant en journalisme et mon premier contact avec la photographie s’est fait lors des cours d’histoire du photojournalisme. Plus que par sa pratique, j’ai donc tout d’abord été attiré par l’histoire de la photographie et par ses figures iconiques, par le sens de ses messages et par l’effort de compréhension de la puissance de l’image. Je reste aujourd’hui persuadé qu’au delà du style de chacun, un photographe ou un artiste usant de la photographie se doit de connaître l’histoire de cette dernière, afin de pouvoir appréhender à leur juste valeur les capacités du médium.

A la même période, j’ai peu à peu commencer à m’amuser avec de petits appareils photo et à suivre des cours d’apprentissage afin de me familiariser avec la technique et de m’ouvrir une première voie. Grace à mes études, j’ai eu la chance d’intégrer rapidement certains journaux et autre petites agences. Cependant, mon travail consistait plutôt à faire de petites missions de photographe « hot spot », et j’ai rapidement compris que ce n’étais pas la direction que je souhaitais prendre en tant que photographe. Mais j’ai toujours eu la chance de rencontrer les bonnes personnes, dont certains ont été d’une grande aide et d’un grand soutien tout au long de mes recherches; l’un d’entre eux était un photographe suédo-turque et m’a permis de décrocher un cours à la Nordens Foto Skola de Stockholm. C’est durant cette période que j’ai pu acquérir réellement mes premières connaissances photographiques sérieuses, de la création d’un univers visuel aux techniques d’impression. Pourtant, je reste persuadé que quelque soit les études que l’on puisse faire, tout photographe se doit d’apprendre en grande partie par lui-même ; telle est là la nature fondamentale du médium photographique. Un bon cursus et un bon mentor sont ceux qui encouragent leurs étudiants et les aident à croire en eux et en leur vision à long terme.

SMD: Par quelle approche photographique as-tu été attiré au départ, un style plutôt journalistique je suppose ?

YS: Du fait de mes études, je me suis naturellement d’abord tourné vers les classiques de la photographie documentaire. L’agence Magnum a bien sûr été une école importante pour moi, mais force est de constater que j’étais chaque fois attiré par les ‘outsiders’ de l’agence, comme par exemple Miguel Rio Branco, Sergio Larrain ou encore Jim Golberg ; ceux qui tendaient à mettre un supplément d’âme au sein de leur travail ou à s’amuser avec les limites du médium.

 

SMD: Comment choisis-tu les projets sur lesquels tu vas travailler ?

YS: Je ne travaille pas particulièrement en mode projet ; mes travaux progressent de manière assez intuitive. Je ne fais pas de plans, je ne prépare pas de sujets ; généralement je me contente de photographier mon environnement. Par exemple, je ne voyage jamais pour faire des photos, au contraire je photographie mon présent et ceux qui partagent ce présent, en un lieu donné. Peut-être ne suis-je pas un véritable photographe, faisant des projets, des missions ou des travaux de commandes.

SMD: Quel genre d’équipement photographique utilises-tu ?

YS: J’ai recours à différents petits appareils photo, des Nikon série F et des appareils Contax, avec ou sans flash cela dépend. Je n’ai toujours pas d’appareil numérique.

SMD: Au vu de ta façon de faire, je suppose que tu travailles généralement seul ? Fais-tu parti d’un collectif ?

YS: Oui, toujours seul lorsque je shoot. Je n’ai pas d’assistant mais j’ai une aide pour le post-prod et pour la réalisation des tirages, et parfois aussi des designers qui travaillent à la réalisation des catalogues et à la préparation des expositions. Et bien sûr pour l’editing et la sélection j’ai recours aux galeristes et à mon entourage.

SMD: Pourrais-tu nous décrire une journée de travail typique de Yusuf Sevincli ? Comment abordes-tu ton travail ?

YS: Généralement les gens trouvent le métier de photographe extrêmement exotique ; il y a cet amusant mythe qui perdure, du photographe trimballant son appareil autour du cou d’un bout à l’autre de la planète. En réalité une grosse partie du travail – des heures, parfois des jours durant – consiste à travailler en chambre noire ou sur ordinateur, à scruter les planches contact, scanner, éditer, archiver, réaliser les impressions et à essayer de constituer les séries.

Ma manière de fonctionner se résume généralement à photographier intensivement pendant un temps, puis à m’isoler dans mon bureau ou dans mon atelier. Et bien souvent le travail subséquent à la prise de vue est bien plus long que le temps de prise de vue lui-même : environ deux semaines de travail aval pour une semaine de photographie.

SMD: Avant de presser le bouton, une approche particulière de construction de l’image ?

YS: Vous ne pouvez pas planifier quoi que ce soit dans la fraction de seconde qui précède la prise de vue. C’est plutôt comme une forme de performance ; vous ne construisez pas les choses à la manière d’une structure minutieusement préparée. Vous vous mettez dans certaines situations particulières et vous usez ensuite de votre seul instinct pour ce qui est de presser le déclencheur. En conséquence vous n’avez que peu de temps pour construire quoi que ce soit, et de tout manière ce n’est absolument pas nécessaire.

SMD: Comment décrirais-tu ton approche photographique aujourd’hui ? Des images brutes, instantanées ; de l’émotion plus que de la technique ?

YS: Je pense en effet que je m’éloigne de plus en plus de ce que la compréhension formelle pourrait qualifier de ‘bonne photographie’. Aujourd’hui mon souci est surtout de délivrer des images les plus simples et les plus brutes possibles, de donner plus de sens, avec moins de photographie et plus de franchise. Effacer tout ce que l’on peut connaître et simplement assembler les choses les unes aux autres jusqu’à atteindre une forme de pureté. Par cette démarche, je recherche un moyen de me débarrasser de la photographie pour enfin toucher à ce que l’on pourrait qualifier d’épicentre énergétique. Mais la photographie oppose à cette recherche d’absolu une résistance de taille, en cela que notre outil artistique reste immuablement élément visuel solide. Deux photographes qui me passionnent actuellement pourraient être de bons exemples d’artistes qui sont d’une certaine façon parvenus à s’affranchir de ces limites : Gert Petrus Fieret et Miroslac Tichy.

 

SMD: Tu sembles entretenir un rapport très intime avec la photographie ; pourrais-tu définir ce qu’elle représente exactement pour toi, de quelle façon elle fait écho en toi ?

YS: Je considère simplement la photographie comme une manière de communiquer. Bien sur quand je dit ‘communiquer’, je ne me réfère pas à ceux qui peuvent voir mon travail mais à moi même, individu tentant de communiquer avec mes mouvements intérieurs et avec le monde qui m’est extérieur par la pratique de la photographie. Sans le recours à la photographie, je serais tout à fait muet. Je vois et je presse le bouton de mon appareil pour figer une image, et c’est là mon commentaire sur la vie, commentaire sur la manière dont je la perçoit, dont j’appréhende les choses qui m’entoure. C’est ma réponse à mon environnement social, temporel, une réponse à ce qui m’affecte, dans tous les sens du terme. C’est un pont entre la vie et moi. Je suis photographe car j’éprouve constamment le besoin d’exprimer ce que je pense et ressens. C’est presque comme un instinct venu du plus profond de moi-même. En tant qu’individu, c’est ma déclaration au monde, une réponse. C’est aussi une manière simple et directe d’être plus proche de soi, de ce que l’on est, de ce qui nous anime, de ce que l’on désire, de ce que l’on craint, de notre vulnérabilité.

SMD: Et dans cette démarche, qu’est ce qui fait – selon toi – une bonne photo ?

YS: C’est très relatif, je ne crois pas du tout en une ‘bonne’ photographie. Ce n’est en tout cas pas ce qui compte pour moi. Mais il y a certains critères qui me semblent importants, comme la sincérité ; ce que j’attends d’un ‘bon’ artiste c’est d’être aussi ouvert que possible, de réaliser un travail qui soit réellement important pour elle ou lui. Il est indispensable d’avoir quelque chose à dire, pas simplement produire des images mais de créer quelque chose qui vienne du cœur, d’y mettre de l’âme, de croire en son sujet ; ne pas être un technicien parfait mais être au contraire aussi humain que possible, faire des images crédibles et sincères, quelles soient bonnes ou mauvaises. L’essentiel n’est pas la qualité intrinsèque mais l’honnêteté et l’impact. Les images ‘polies’, irréprochables techniquement, me perturbent. Je suis finalement plus intéressé par le photographe que par les images qu’il produit ; par le travail photographique, c’est l’artiste que je veux pouvoir atteindre, sentir une connexion avec la personne qui se tient derrière l’appareil. Je veux sentir de l’âme, de l’obsession et de l’empreinte humaine.

SMD: La tendance semble pourtant de plus en plus aux images ‘léchées’ ; comment te situes-tu au sein du contexte photographique contemporain ?

YS: Ce n’est pas mon travail que de me situer dans ce contexte ; d’autres le feront. Mais j’observe de sérieux problèmes dans le domaine de l’art d’aujourd’hui. Une déshumanisation, une tendance au sensationnel et au monumental ; être spectaculaire et parfaitement exécuté. Peut-être cela a t-il toujours été le cas dans l’histoire de l’art, je ne sais pas. Mais je pense en effet que mon travail ne colle pas très bien au pratiques actuelles ; je travaille toujours au noir & blanc (qui est considéré comme largement dépassé !) et sur une photographie des sentiments et de l’émotion, ce qui n’est pas très populaire en ce moment.

SMD: Et concernant le contexte social actuel, as-tu le sentiment de prendre position ?

YS: C’est une question difficile. En un sens, tout ceci est très politique, même si certaines personnes peuvent trouver cela étrange, c’est vrai. Car je vois mes travaux comme des réactions personnelles à ce qui survient au sein de mon environnement ; quand je parle d’environnement, je veux dire par là les structures sociales, les relations publiques et privées, l’économie etcetera, et ces aspects – les aspects majeurs de nos vies – sont façonnés par les politiques. Je ne vis pas une vie d’ascète au sommet d’une montagne, je vis au milieu des autres, et en tant qu’être humain je suis le produit d’un certain lieu, à une certaine époque. Ces origines sont profondément enracinées en moi et m’affectent largement. Je me dois de leur opposer une réponse ; la politique représente tout ce que vous faites en réaction à aux préétablis, et dans mon cas cette réaction passe par la photographie.

SMD: Sont-ce là les réflexions auxquelles tu tentes d’amener le spectateur ? Que cherches-tu à éveiller à travers tes images ?

YS: Je me questionne constamment sur ce qui sommeille sous le vernis de mes images, et c’est une démarche complexe ! D’une manière générale je n’aime pas les messages et les significations lorsqu’elles sont trop évidentes ; je veux mes travaux aussi ouverts que possible, de façon à les laisser à la libre interprétation du spectateur. Ainsi, le regardeur ne se contente pas de laisser flotter son regard d’une image à l’autre mais se voit contraint de regarder réellement, d’entamer une démarche réflective vis à vis de ce qui se présente à son regard. Je pense que cela fait une énorme différence. Cette approche me semble indispensable pour amorcer une interaction psychologique ou émotionnelle et pour impacter le spectateur.

 

SMD: Tu nous as parlé de quelques référents photographiques ; d’autres sources d’inspiration ?

YS: Mes influences peuvent être diverses ; des poètes comme Rimbaud aux réalisateurs comme Fellini ou Godard, des peintures rupestres à l’expressionisme allemand. Et le Punk Rock aussi, reste une influence majeure depuis mon enfance : j’ai énormément appris du Punk Rock en terme de dépassement des critères formels, par sa tendance à l’ouverture démocratique et à la liberté d’expression, son « do & say whatever you like » !

SMD: Tu nous as expliqué que ta photo se construisait au jour le jour et de manière continue ; vois-tu néanmoins un objectif final à ta démarche ?

YS: Je suis désolé mais je ne suis pas sûr qu’il y en ait un. Il faudra que je me penche sur la question mais pour l’heure j’ai le sentiment qu’il s’agit surtout de poursuivre dans la même direction, de toujours travailler plus, produire d’avantage. Peut-être y a t-il un objectif souverain à tout cela mais je n’en suis pas encore conscient.

SMD: Et dans cette photographie au jour le jour que tu pratiques, comment appréhendes-tu l’appareil en lui-même ? Quelle est ta relation avec celui-ci ? Le vois-tu comme un simple outil ou au contraire comme une extension de toi-même ?

YS: Pour moi l’appareil reste un simple outil, un outil très efficace pour avoir un regard plus affuté sur les choses, les observer plus intensément et pour essayer de se comprendre à la fois soi-même et ceux qui nous entourent. Quand vous regardez votre travail vous ne pouvez rien cacher de ce que vous êtes, les clichés agissent comme autant de miroirs ; ces images c’est vous, ni plus ni moins. Que cela vous plaise ou non, ce reflet de votre âme est là, devant vous, un reflet qui vous en apprend même parfois sur vous-même ; alors oui, l’appareil est un formidable outil d’auto-thérapie.

SMD: C’est la raison pour laquelle tu ressens le besoin de pratiquer la photographie – au delà du besoin de communication que tu évoquais tout à l’heure – ; pour une thérapie personnelle ?

YS: Il m’est difficile d’apporter une réponse à cette question. Dans une interview, Bob Dylan disait quelque chose comme « J’ai toujours ce sentiment d’être né au mauvais endroit, au mauvais moment, et depuis le premier jour ma musique porte sur cette recherche d’un foyer auquel j’appartienne vraiment ».

SMD: On ressent au sein de ta photographie cette volonté de photographier le ‘tout venant’ ; pour autant on observe certaines récurrences, sur le thème de l’intime notamment. Y a t-il des thèmes particuliers qui te soient chers ?

YS: Je ne pense pas m’attacher à un thème particulier, mais je pense pouvoir dire que mon travail s’articule autour de la ‘condition humaine’ en général. L’Homme d’aujourd’hui et sa relation avec son environnement m’intéressent tout particulièrement. Plus précisément l’Homme et son environnement urbain, car c’est là un phénomène qui sous-tend à mon sens de profonds questionnements.

SMD: Pourquoi avoir choisi le médium photographique pour traiter de ces questions ? Quelle est selon toi la spécificité de la photographie par rapport aux autres formes de pratiques artistiques ?

YS: Et bien, pour moi la particularité de la photographie réside dans la technique particulière de cette dernière par rapport aux autres formes d’art. En tant que photographe vous vous devez d’être réellement là, sur le terrain ; vous ne vous isolez pas dans un studio comme le ferait un peintre, vous n’êtes pas sur un décor artificiel comme dans le cas du cinéma. Vous êtes là, en situation, face à votre sujet, là où la vie s’écoule et palpite ; vous avez l’obligation de vous investir complètement. Cela peut paraître facile, attrayant, mais c’est en réalité un position des plus difficiles : vous vous devez d’être fort mais il vous faut en même temps vous mettre à nu, vous devez vous oublier en étant plus que jamais vous-même. Vous devez vous débarrasser du connu pour entrer dans le domaine de l’instinctif. Vous devez parvenir à oublier le sens du temps. Une bon instant photographique est comme une étincelle : alors même que vous prenez conscience de sa présence le moment s’est déjà évaporé ; tout le jeu de la photographie est de jouer, de manipuler le temps et l’espace afin de figer cette étincelle. Voilà sans doute en quoi la photographie est particulière ; il s’agit d’une forme de performance au sein de laquelle l’espace et le moment sont de première importance ; une fois l’instant passé – aussi frénétiquement puissiez-vous vous acharner à tenter de le faire revenir –, rien ne lui redonnera jamais vie.

 

SMD: La photographie semble pour toi découler d’un subtil équilibre. Comment sais-tu que telle ou telle image est la bonne ? Comment opères-tu ta sélection ?

YS: C’est une très bonne question, et je dois dire que je ne sais pas vraiment de quelle façon je sais. Généralement je sais quand c’est là. Ca s’insinue dans ton cœur, tu le ressent, ça vient à toi, et il s’agit rarement de détails techniques comme la lumière ou le cadrage, c’est d’un tout autre ordre. Je pense que c’est difficile pour tout photographe, en général nous ne sommes pas les meilleurs éditeurs de notre travail. En général j’opère un premier écrémage par moi-même, puis je demande l’opinion de mon entourage, de mes amis et de mes mentors. Mais en définitive c’est toujours à vous que revient la décision finale. Et c’est là un processus difficile et épineux ; après un temps on finit toujours par déprécier nos travaux antérieurs.

SMD: Tu parlais tout à l’heure de thérapie personnelle, tu pratiques donc la photographie plus pour toi même que pour les autres ?

YS: Je la pratique pour moi-même exclusivement, jamais pour un éventuel public à venir ; c’est tout à fait clair pour moi. Et je dois dire que toute personne faisant de la photographie pour ou par les autres est absolument ‘fucked up’.

SMD: Sur quoi travailles-tu en ce moment ?

YS: J’ai travaillé récemment sur la publication sous forme de livre de mes séries ‘Good Dog’, qui devraient – je l’espère – être publiées en septembre. Je continue par ailleurs à shooter de temps en temps, selon mon rythme habituel.

SMD: De nouvelles séries à venir ? Y a t-il quelque chose – un projet – que tu aimerais particulièrement accomplir ?

YS: Et bien, comme je l’ai dit tout à l’heure, le mot ‘projet’ ne me semble pas très excitant. Mais oui, je fais pas mal de nouvelles photos en ce moment. Et la notion d’accomplissement ne me parle par ailleurs pas ; je souhaite simplement pouvoir continuer de la sorte le plus longtemps possible. Il ne s’agit pas de jeux olympiques, d’une performance pour décrocher la médaille d’or ou faire tomber le record mondial ; en photographie le travail ne touche jamais à une fin, ce que vous faites est dores et déjà important. C’est une performance qui ne compte que lorsque vous êtes en train de la pratiquer, et au travers de laquelle vous êtes sans cesse confronté à de nouvelles difficultés, à de nouveaux questionnements. La partie la plus divertissante de tout le processus reste la pratique elle-même. Lorsque vous vous mettez à photographier, le ‘ça’ dont nous parlions tout à l’heure réapparait ; lorsque vous cessez de prendre des photos, il s’évapore immédiatement !

Les expositions, les livres, sont uniquement important comme marqueurs temporels de vos pratiques passées, qui appartiennent déjà à un temps révolu. Ils sont nos raisons de continuer à aller de l’avant ; après tant d’efforts et de luttes, vous percevez enfin le résultat de votre acharnement.

SMD: Rétrospectivement, quels photographes t’ont le plus influencé ? Ce sera aussi le mot de la fin…

YS: Ils sont trop nombreux, tout au long de l’histoire de la photographie, pour les énumérer tous. August Sander, pour l’approche particulière de ses sujets, Eugène Atget pour son incroyable atmosphère. Robert Frank est très important pour moi, et continue de m’inspirer. Il y a aussi nombre de photographes japonais des années 70, comme Moriyama et Kitajima. William Klein et Nan Goldin figurent parmi mes photographes favoris, et Anders Petersen aussi, qui a une grande influence sur mes débuts. D’un point de vue plus contemporain, je trouve les travaux de Rinko Kawauchi et Antoine D’Agata extrêmement intéressants.

Mais il y a des tas d’autres photographes dont j’admire le travail, pas nécessairement parce que ce sont des figures photographiques majeures mais parce qu’ils racontent des histoires sincères, des histoires importantes. Les livres à faibles tirages, à l’esthétique soignée, les expositions qui cherchent vraiment à apporter un supplément d’âme au travail des artistes, tous ces acteurs d’un travail plus humble, plus vrai et plus humain, ces histoires qui vous touchent d’un manière simple, non détournée, voilà ma vision de ce que doit être la photographie.